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L’art des mots de Mechthild Ackermann, entre intemporalité et universalité


 @mechthildackermann

Dans son atelier de Lonay, baigné par les accords de l’Hommage à Rameau de Debussy, Mechthild Ackermann peint – ou plutôt écrit. Ses gestes sont précis et fluides, les mots s’alignent, empreints de sens et de signification, nous révélant tantôt ses réflexions profondes, tantôt des pensées puisées dans ses lectures. La nature est toujours présente: « Je crois profondément à l’importance du processus créatif, en prenant la nature comme source d’inspiration. »


Timelessness @mechthildackermann

Comme par magie, le texte se métamorphose en forêt, en bouquet de pissenlits, ou révèle la grâce insoupçonnée d’un artichaut…, chaque élément raconte une réflexion philosophique, une exploration où la multiplicité des langues s’entrelace jusqu’à se fondre dans un univers intemporel, abolissant les frontières. Les œuvres de Mechthild Ackermann voyagent ainsi dans le monde, accompagnent des concerts tels que ceux de la Pinacothèque moderne à Munich ou de la Biennale Bergson Kunstkraftwerk. Elles sont aussi régulièrement présentées dans des galeries et des expositions d’art. Rencontre avec une artiste d’une grande profondeur, portée par un talent immense.

Damier : À quel moment est née votre passion pour l’écriture ?

Mechthild Ackermann : Mon chemin vers l’écriture a commencé très tôt, dès l’enfance. Avant même de connaître l’alphabet, j’écrivais des pages et des pages illisibles, juste pour la beauté du mouvement. J’aimais le geste, le graphisme, la transmission par les mots, cela m’a toujours énormément fascinée. Plus tard, j’ai étudié l’histoire de l’art et les sciences du théâtre à Munich, avant de suivre une formation de costumière et de travailler à l’Opéra national de Munich ainsi que pour d’autres opéras et festivals. Le façonnage de textiles s’est naturellement transposé dans la création de tableaux, sous les formes et les matières les plus variées, où les couleurs s’harmonisent dans une même expression artistique. L’écriture est venue par la suite…


Balance / Equilibre @mechthildackermann (Cercles de soie plissée)

Damier : Qu’est-ce qui a suscité cette transition vers l’écriture dans vos œuvres ?

 Mechthild Ackermann : Le confinement de 2020 et les souffrances de l’isolement ont déclenché le besoin de dialoguer, de s’ouvrir aux autres à travers l’art, de raconter. Je me suis promenée dans la nature, à l’écoute des émotions ressenties par ceux qui croisaient mon chemin, des vies séparées par la force de l’évènement, des jeunes isolés dans leur parcours d’études, des couples divisés… J’ai reconstitué leur histoire à l’intérieur d’unités aux volumes arrondis, qui traduisent à la fois la proximité et l’isolement. Chaque cercle raconte un vécu, une tristesse, une séparation, un chagrin… ici ou ailleurs dans le monde. Par l’ampleur universelle de la pandémie, la langue choisie est l’anglais, une manière aussi de me distancer avec la réalité trop pénétrante, me protéger.


«Desires» Les pissenlits @mechthildackermann

Unities @mechthildackermann

Après le confinement, j’ai pris conscience de tout ce qui nous a profondément manqué, mais aussi de ce qui est véritablement essentiel. La vie communautaire, le lien avec les autres et le partage ont pris une importance nouvelle à mes yeux. De cette expérience naît le souhait d’une humanité plus à l’écoute, plus solidaire, plus courageuse. On confie nos voeux au pissenlit, on souffle sur l’aigrette, les graines voltigent avant de tomber au sol pour repousser dans un cycle éternel, elles dessinent notre avenir.


Out of Time @mechthildackermann

Damier : L’adage du peintre britannique Lucian Freud que vous citez : « Plus on contemple un objet, plus il s’abstrait et, paradoxalement, plus il acquiert une réalité tangible » semble résonner tout particulièrement avec vos forêts calligraphiques. C’est dans la proximité que chaque arbre révèle sa singularité, son histoire. Cette fusion entre la forme et les mots est-elle au cœur de votre processus artistique ?

Mechthild Ackermann : Je ressens profondément le mouvement des arbres, leur langage gestuel, écrire les arbres dans leur posture. Les textes naissent de mes pensées ou sont puisés dans mes lectures : poèmes surréalistes, japonais, réflexions philosophiques ou documentaires. J’accorde aussi une importance particulière à la qualité du papier. Les feuilles que j’utilise proviennent de la campagne de Dolakha au nord de Katmandou. Elles sont fabriquées artisanalement en bois d’arbustes.

Damier : Vos créations investissent parfois les salles de concert, où elles se conjuguent à la musique, comme ce fût le cas à la Pinacothèque moderne de Munich. Comment êtes-vous parvenue à concilier musique et arts-visuels ?

Mechthild Ackermann : Influencées par mon travail à l’opéra, mes œuvres s’inscrivent dans une perception tridimensionnelle, où le mouvement et la musique sont intégrés.
Le projet intitulé « Japan and Beyond » est une collaboration interculturelle avec le Japon, qui réunissait plusieurs quatuors tant japonais qu’européens. Une rencontre entre culture asiatique et européenne. En résonance avec les artistes et les œuvres musicales interprétées, j’ai transposé sur un long ruban en organza les phrases de chacun en gestes calligraphiques rythmés par la musique. La soie capte les frémissements de l’air dans un mouvement aérien et ininterrompu qui engendre un univers immersif unifié.
À d’autres occasions, j’exploite la transparence et la légèreté de la soie en superposant deux couches. Je commence ma phrase sur le premier pan de tissu pour la poursuivre plus intensément sur le second dans un aller-retour répétitif, instaurant un dialogue multilingue sur l’immortalité où l’espace se fait temps.


« Landscape of Ma » @mechtildackermann (extrait agrandi)

Damier : Votre sensibilité à la beauté de la nature et des jardins transparaît dans la plupart de vos créations. Qu’est-ce qui vous a tant fascinée dans l’observation d’un artichaut au point d’y consacrer plusieurs triptyques ?

Mechthild Ackermann : Pendant tout un été, j’ai observé minutieusement l’artichaut de mon jardin, multipliant les esquisses pour retracer précisément son évolution. L’histoire de cette plante qui remonte à la mythologie grecque, au mythe de la nymphe Cynara (Cynara scolymus) dont il porte le nom, m’a fascinée. Je la raconte en latin qui est aussi la langue botanique. Ce n’est pas tant la fleur qui a retenu mon admiration, mais la force que dégagent ses feuilles, leurs mouvements gracieux semblables à une danseuse. Pour en reproduire le relief, j’ai effectué des incisures dans le papier. À chaque étape, j’ai décrit le cheminement de l’abstraction de l’artichaut au fil de ses différentes phases. La fleur se flétrit, le capitule tombe, les feuilles poursuivent leur danse contemporaine jusqu’à l’épuisement. À la fin, il ne reste que les branches. Le cycle de vie s’inscrit dans un éternel recommencement.


Cynara @mechthildackermann

Propos recueillis par Ann Bandle

Cinq questions à Élodie Pinel


Dans un essai aussi personnel que percutant, Folles furieuses, que faire de nos colères?, Élodie Pinel explore la manière dont la société a pathologisé l’émancipation féminine.
Des Furies de l’Antiquité à Emma Bovary, de Flora Tristan à Camille Claudel, héroïnes de fiction ou femmes bien réelles, celles qui ont refusé l’ordre établi ont souvent été qualifiées de folles pour mieux faire taire leur voix. Si en 2026, certaines quadragénaires s’avouent fatiguées du combat féministe, l’autrice, agrégée de lettres modernes, de philosophie et docteur en littérature française refuse de baisser la garde. Malgré les difficultés, Élodie Pinel reste résolument optimiste quant à l’avenir de l’égalité des droits hommes- femmes,  parce que justement la colère des femmes commence  à être entendue. Une bonne nouvelle qui oblige à rester mobilisé.

Damier: Pourquoi avez-vous voulu écrire sur l’ostracisme de l‘Histoire et de la Littérature sur ces femmes qui ont refusé l‘ordre établi et l‘ont souvent payé cher, en se voyant traitées d’hystériques ? 

Élodie Pinel : Je me suis intéressée très tôt aux plumes féminines ; déjà, pendant mes études de littérature, j’ai choisi d’écrire un mémoire sur George Sand, sans que cela ait été un choix particulièrement réfléchi. Au moment de choisir un sujet de thèse, j’ai opté pour Marguerite Porete, une mystique du XIVe siècle… A chaque fois, j’ai relevé que ces femmes extraordinaires ont rencontré des obstacles et ont subi des injustices voire des persécutions : Marguerite Porete a été brûlée en 1310 à cause de son livre ! J’ai voulu défendre celles dont j’admirais le travail et leur rendre justice en réhabilitant leur parole, qui n’est pas oeuvre de folie mais bien de raison.

Damier : Ces dernières décennies, des progrès ont été faits sur l’égalité hommes femmes. Pourtant six femmes autrices seulement ont été  retenues au programme du bac français contre soixante-dix-huit hommes. Hasard ou mauvaise foi, faudrait-il un sérieux réexamen de la contribution du deuxième sexe à la littérature française dans les manuels scolaires ? 

Élodie Pinel : Il y a en effet eu des progrès réalisés, et c’est la moindre des choses ! Quand on regarde quel était le statut juridique des femmes il y a seulement 60 ans, on mesure certes les progrès faits, mais aussi ceux qu’il reste encore à faire. Le chemin vers l’égalité est long et n’est pas fini : les chiffres de l‘ONU sont là pour nous le rappeler, qui indiquent qu’il faudra encore plus de deux cent ans pour espérer atteindre l’égalité femmes/hommes au rythme où nous allons aujourd’hui. Valoriser les oeuvres et les pensées des femmes, qui ont construit des théories et diffusé des textes malgré les obstacles qui se dressaient devant elles, fait partie de ces objectifs à atteindre pour avancer dans le bon sens ensemble.

Damier : Dans votre livre, vous suggérez quelques conseils de savoir vivre à l’adresse de vos contemporains. Vous mettez en garde les jeunes femmes sur le danger d’accepter un premier rendez-vous au restaurant et de laisser payer la note par le gentil garçon organisateur de la rencontre ? Pas trop excessif tout de même ? Comment un jeune homme de vingt cinq peut-il approcher une jeune femme avec les bons codes de 2026 ? 

Élodie Pinel : Nos comportements ont en effet été dictés en grande partie par des codes sociaux conformes au patriarcat, c’est-à-dire à l’idée que l’homme décide et propose et que la femme dispose et « consent » (ce qui veut dire qu’elle n’a pas l’initiative du désir : consentir n’est pas vouloir). Sur le plan relationnel, faire preuve de générosité est toujours positif ; mais on sait aussi, selon les anthropologues et sociologues comme Marcel Mauss, que tout don appelle un contre-don.De quelle nature sera le contre-don attendu par le jeune homme face à la jeune fille à qui il paye le restaurant ? Demandez à ces messieurs : il espère qu’en acceptant, la jeune femme commence à consentir à aller plus loin. Si ce n’est pas le souhait de la jeune femme, autant qu’elle l’assume clairement et coupe court à toute ambiguïté. Aujourd’hui, cela ne me semble pas si révolutionnaire !

Damier : Dans ce vaste chamboulement des rapports hommes-femmes, certaines quadragénaires s’avoueraient pourtant un peu lassées de porter le combat féministe ? 

Élodie Pinel : Cette lassitude est légitime ; elle est même documentée et analysée par la notion de « genrer fatigue », fatigue de genre. Ce terme désigne l’effet de lassitude voire de saturation occasionné par une exposition répétée à des agressions ou des injustices, couplées à un déni de celles-ci. Car il faut alors prouver systématiquement que l’on est victime d’une discrimination pour pouvoir commencer à la réparer : que de temps et d’énergie perdus ! L’impression de toujours devoir tout recommencer à zéro est cause d’un épuisement qui peut mener au désengagement. A force de n’être pas entendues, on finit pas se taire. Mais n’est-ce pas précisément le but recherché par ceux (et celles) qui refusent l’égalité entre femmes et hommes, parce qu’ils et elles y trouvent leur compte ?

Damier : Vous êtes toutefois résolument optimiste pour l’égalité hommes-femmes puisque la parole des femmes commence à être entendue ? 

Élodie Pinel : L’optimisme est nécessaire : sans cet espoir, comment avancer ? Je m’interdis de baisser les bras en un moment où les droits des femmes, acquis depuis peu en Occident, sont toujours menacés de recul, quand ils ne le sont pas déjà (je renvoie à l’essai admirablement documenté de l’avocate Violaine de Filippis-Abbate sur le sujet, La résistance écarlate, paru chez Payot en 2025). Je me l’interdis d’autant plus que ces mêmes droits sont bafoués ailleurs, jusqu’à l’apartheid de genre, selon le terme de la Prix Nobel de la Paix iranienne Narges Mohammadi. N’oublions pas que les combats que nous gagnons ici, même s’ils peuvent parfois paraître dérisoires ou transitoires, ont une répercussion à l’autre bout de la planète pour ces femmes qui veulent encore croire pouvoir être respectées et vivre libres.

Propos recueillis  par Béatrice Peyrani

Folles furieuses, que faire de nos colères? Un  livre édité chez Robert Laffont à lire d’urgence et à offrir aussi à ses enfants, fils ou filles.

Élodie Pinel a publié en 2024 un essai aussi drôle que passionnant sur les femmes philosophes : Moi aussi je pense donc je suis. Quand les femmes réinventent la philosophie chez Stock. Cet ouvrage vient de sortir en poche chez Champs Flammarion.

Le Bel Horizon de Florian Sägesser

photo Cédric Sandoz

Avec son quatrième roman « Bel Horizon», Florian Sägesser retrace l’histoire d’une vieille maison du début du siècle passé dans les confins du Jura vaudois, près de Sainte-Croix et de la frontière française. Un havre de paix soudainement écorché par le bruit incessant d’une société en mouvement. Au-delà de la restauration de la bâtisse, témoin silencieux de vies désormais disparues, le récit nous immerge dans la beauté des paysages, merveilleusement restituée par la plume poétique de l’auteur. L’occasion aussi de repenser nos relations avec la nature. 

Damier.ch : Votre roman s’ouvre sur cette phrase de Ramuz : « Les vieilles maisons sont toutes voûtées, elles sont comme des grands-mères… » En quoi cette citation a-t-elle inspiré ou donné le ton à Bel Horizon ?

Florian Sägesser : C’est précisément en découvrant cette phrase que j’ai décidé de personnifier la maison au centre de mon roman, pour en faire un personnage baptisé la « vieille dame » en clin d’œil à Ramuz. J’avais déjà fait un travail de recherche, car Bel Horizon s’appuie sur des archives, et déjà ressenti et écrit une partie du livre dans ma tête, quand un jour, allez savoir pourquoi à ce moment-là, j’ai eu l’idée de lire de la poésie ramuzienne. Je suis tombé sur cette phrase qui est entrée en résonnance avec mon travail, et elle a donné le ton du roman. Ce n’est pas une mince affaire que de trouver le bon ton. Mais une fois le « la » trouvé, l’écriture a coulé naturellement. 

Damier.ch : Réinvestir une maison héritée de ses aïeux sans raviver les réminiscences qu’elle renferme, parfois teintées de nostalgie, est-ce utopique ? 

Florian Sägesser : Chaque personne entretient un rapport au temps et au territoire qui lui est propre. Pour ma part, oui, il m’est impossible d’investir un lieu – ancien qui plus est – sans vouloir exhumer son histoire. Une vieille maison porte une mémoire, elle a vécu et vu tant de choses, elle renferme des souvenirs et des fantômes. Les murs retiennent des secrets qu’ils murmurent aux personnes qui savent tendre l’oreille. La littérature permet de faire entendre ces voix; les mots deviennent une forme de chasse au trésor, et offrent l’opportunité de s’inscrire dans une lignée. Il y a la conscience, très forte, que ces pierres nous survivront. 

Damier.ch : Les paysages déferlent dans Bel Horizon. Omniprésents, ils sont décrits avec une précision toute poétique et une sensibilité émouvante. Comment est né votre attachement à la nature ? 

Florian Sägesser : Petit, j’étais fasciné par les Amérindiens, et leur rapport à la nature, leur manière de la respecter, m’a profondément marqué. Cela a sans doute contribué à forger cette sensibilité à l’environnement, tout comme les vacances d’été que je passais au grand air. 

La nature comporte une part d’insaisissable qui laisse la place à l’imaginaire et au mystère; elle a une fragilité qui la rend belle; elle impose le respect et offre des tableaux sans cesse renouvelés, comme autant de miroirs de nos émotions. La littérature est, pour moi, une manière d’exprimer cette sensibilité.

Damier.ch : Un livre qui vous inspire et que vous relisez ? 

Florian Sägesser :  Il y en a plusieurs. Je citerais La claire fontaine, de David Bosc, un ouvrage qui m’a marqué et qui prouve que les grands livres n’ont pas besoin d’être épais, que leur densité ne se mesure pas au nombre de pages.
Jusqu’à présent, il y a peu de livres que je relis. Non par manque d’envie, mais parce que j’en ai encore tant d’autres à découvrir. 

Propos recueillis par Ann Bandle

Florian Sägesser est écrivain et journaliste.
Bel Horizon est son quatrième roman, publié par BSN Press à Chêne-Bourg, Genève.

Trois questions à Natalie David-Weill, autrice de La Petite Fille au ruban bleu

Grâce à des archives inédites, la romancière signe une passionnante biographie aussi sensible que documentée sur le destin tragique d’Irène Cahen d’Anvers, grande bourgeoise parisienne immortalisée enfant dans un portrait du peintre Renoir. Entretien avec Natalie David-Weill, que nous avons pu rencontrer pour Damier.ch au dernier Festival du LÀC, à Collonge-Bellerive.

Damier.ch : Depuis sa sortie, votre roman La Petite Fille au ruban bleu a suscité l’enthousiasme des journalistes. Les lecteurs suisses ont eu le bonheur de vous écouter lors du dernier Festival du LÀC de Collonge-Bellerive, au micro d’Esther Rotenberg et de Nathalie Cohen. Vous attendiez-vous, en reconstituant la vie d’Irène Cahen d’Anvers, le modèle peint par Renoir, à un tel succès, tant du côté des professionnels que du grand public ?

Natalie David-Weill : J’avais l’impression, au contraire, que mes recherches sur le portrait d’Irène Cahen d’Anvers n’intéresseraient que les descendants des familles juives assimilées qui faisaient partie de la haute bourgeoisie parisienne et qui ont fini – pour beaucoup – dans les camps de concentration. Or, j’ai reçu des lettres, des témoignages très touchants qui prouvent que cette histoire a ému et frappé un public plus large que celui auquel je pensais au début. Et cela m’enchante évidemment. Il y a les histoires de ces familles, passionnantes, et le phénomène Renoir aussi : ce portrait magnifique et mystérieux, dont la notoriété a fait oublier le modèle.  Il ne restait d’Irène Cahen d’Anvers qu’une réputation de mauvaise épouse et mère indigne. Elle était celle qui avait quitté Moïse de Camondo pour le comte Charles Sampieri, qui s’occupait de ses chevaux. Scandaleux !

C’est ainsi que j’ai voulu en savoir plus, rechercher quelle était la vie de ses contemporaines – de Hélène van Zuylen à Béatrice Ephrussi de Rothschild, en passant par Fanny Reinach et Flora David-Weill – pour reconstituer l’atmosphère de Paris pendant la guerre lorsque l’on fait partie de l’élite juive et catholique – ce qui n’est pas le même destin. Car Irène, alors vieille dame, a été tiraillée entre les deux, puisque ses quatre petits-enfants venaient la voir dans son appartement du XVIème arrondissement, où elle se terrait. Il y avait d’une part, Fanny et Bertrand de Camondo qui finiront tués à Auschwitz et d’autre part, Lorraine et France Dubonnet pour lesquelles la guerre n’existait qu’à peine.

J’en profite pour remercier ici le Festival du LÀC qui m’a permis de parler de mon livre devant un large public, dans un cadre idyllique et rencontrer des lecteurs…

Damier.ch : Comment expliquez-vous la volonté d’Irène de revendre ce tableau sur-le-champ dès qu’elle en retrouve miraculeusement la propriété après la Seconde Guerre mondiale ?

Natalie David-Weill : En effet, après s’être donné tant de mal pour récupérer le portrait de Renoir, qui a été volé par les Allemands puis échangé contre un tondo du XVIIIème par Goering qui considérait l’impressionnisme comme de la peinture dégénérée, Irène va le vendre à Emil Bührle. Et sa réputation en pâtira davantage. Car ce collectionneur s’est enrichi pendant la guerre grâce à la production d’armement de ses usines Oerlikon et a acheté à bas prix des chefs-d’œuvre à des juifs pressés de vendre. Pourquoi a-t-elle vendu son portrait à cet homme discutable ? Etait-elle pressée ? Je ne peux que formuler différentes hypothèses : la plus probable est que sa fille Pussy Sampieri était toujours à court d’argent et l’a incitée à le vendre puisque Renoir était devenu un peintre important. Il me semble pour ma part qu’Irène, comme ses parents qui avaient pourtant commandé ce portrait, n’a jamais aimé Renoir. Peut-être aussi que cette toile lui faisait penser à sa fille, Béatrice de Camondo, chez qui il était mis en valeur dans son salon, et qui a été tuée à Auschwitz avec ses deux enfants, Fanny et Léon Reinach. Irène ne s’en est jamais remise. Il fallait sans doute faire table rase du passé. « La Petite Fille au ruban bleu » ou « La petite Irène » est toujours à Zürich, présentée au Kunsthaus, dans le cadre d’un projet de recherche menée par cette institution.

Damier.ch : Préparez-vous un nouveau roman historique qui se déroulerait dans ces mêmes années 1880-1950, ou, au contraire, allez-vous enquêter sur tout autre chose ?

Natalie David-Weill : Ce travail d’écriture m’a pris trois ans, et j’ai adoré la recherche, les archives, les rencontres qu’exigeait ce sujet, la plongée dans cette époque. Aussi, je n’ai pas démarré d’autre projet encore mais je vous en ferais part dès que j’aurais commencé !

Propos recueillis par Béatrice Peyrani

La Petite Fille au ruban Bleu. Le monde disparu d’Irène Cahen D’Anvers, Natalie David-Weill, Flammarion, 448 pages.

Paul et Hélène Morand : le crépuscule helvétique

Il fut un des écrivains les plus adulés des Années folles. Diplomate en poste à Londres, Paul Morand décide de rentrer en France en 1940. Le début d’une série de mauvais choix ! Il collabore avec Pierre Laval à Vichy, accepte diverses missions pour la France pétainiste et termine la guerre comme ambassadeur à Berne. Révoqué à la Libération, craignant d’être traduit en justice, il reste en Suisse avec son épouse. Le couple s’installe à Vevey, sur les hauteurs du Léman. Un diable de purgatoire pour ces parisiens mondains et  cosmopolites. L’exil va profondément transformer ce couple, « autrefois toujours en mouvement et vivant dans un luxe insolent », explique David Bonneau, auteur de Paul et Hélène Morand, un couple sulfureux, aux éditions Plon. Entretien pour les lecteurs de www.damier.ch avec l’auteur de ce livre, applaudi par la presse française : «Remarquable » L’Express, « Passionnant » Le Point, RTL, Transfuge, « Envoûtant » Sud Radio et qui « se dévore comme un roman fitzgéraldien » Les Échos.

Damier.ch: Qu’est-ce qui vous a donné envie d’écrire cet ouvrage sur le couple Paul et Hélène Morand ?

David Bonneau : Quand on s’intéresse à l’écrivain Paul Morand, il y a toujours, derrière lui, la figure omniprésente d’Hélène, sa femme. Tous ceux qui ont connu le couple, tous les biographes de Paul ont souligné son importance, certains estimant même qu’elle était plus intéressante que lui. Et pourtant, jusqu’ici, personne ne s’était penché spécifiquement sur sa personnalité. A son sujet, les mêmes anecdotes étaient sans cesse reprises sans qu’on s’assure réellement de leur authenticité. C’est cet oubli que j’ai voulu réparer avec ce livre, en m’appuyant sur les dizaines de milliers de pages d’archives du couple (correspondance et journal intime). Hélène est une femme qui a fasciné ses contemporains et pas des moindres. Princesse fortunée, divorcée, elle fut la muse de Marcel Proust, a ébloui le duc de Windsor, a troublé Ernst Jünger. Elle parlait sept langues. Plus qu’une simple biographie, j’ai souhaité écrire une sorte de « duographie » tant, davantage encore qu’aucun autre couple, Paul et Hélène ne peuvent se comprendre l’un sans l’autre.

Contrairement à d’autres biographes, votre livre n’impute pas systématiquement à Hélène les « mauvais choix » de Paul Morand, notamment au début de la guerre de 1939 et durant la période de la Collaboration. Toutefois, au fil de votre enquête et à la lecture des lettres d’Hélène auxquelles vous avez eu accès, avez-vous acquis la conviction que Paul Morand a choisi la Collaboration par facilité et commodité, sans véritable état d’âme ?

David Bonneau : Les textes de l’écrivain et les archives sur lesquels se fonde mon livre montrent que l’antisémitisme était déjà présent chez Paul Morand avant qu’il ne rencontre Hélène. Il montre aussi que des motivations personnelles l’ont conduit au choix de quitter Londres pour la France en 1940 puis d’occuper des postes officiels à Vichy quelques mois plus tard. Cette trajectoire est le fruit d’une évolution chez un homme qui, pendant les Années folles, avait fait du cosmopolitisme sa marque de fabrique et le socle de son succès littéraire. Y entrent tout à la fois la peur de la contagion bolchévique (qui continuera à le hanter lorsqu’il résidera en Suisse après-guerre), de nouvelles relations amoureuses et des revers de fortunes, aussi bien littéraires que financières, qui, à partir du milieu des années 1930, l’entraînent sur une pente de plus en plus réactionnaire.

Leur exil en Suisse les a-t-il transformés ?

David Bonneau : Indéniablement. Pour un couple toujours en mouvement et vivant dans un luxe insolent, l’après-guerre est rude. Les voici en quelque sorte assignés à résidence et privés de leur fortune, même s’il y a, à l’évidence, chez Paul une forme d’exagération et de romantisme du dénuement lorsqu’il nous explique ne plus se nourrir que de châtaignes glanées dans les bois ou que, faute de chauffage, l’eau gèle sur sa table de nuit… Ce qu’il y a de remarquable, c’est que cet exil salvateur – sans l’asile suisse, le couple aurait été en péril lors de l’épuration – mais imposé va, au fil du temps, devenir une retraite choisie. A partir des années 1950, et malgré les lois d’amnistie pour les collaborateurs en France, le couple décide de résider une grande partie de l’année à Vevey où ils louent le château de l’Aile. Dès l’après-guerre, Paul Morand a trouvé en Suisse les inépuisables ressources de la bibliothèque de Lausanne, des eaux tumultueuses de l’Aar et apaisées du Léman (où il aime piquer une tête dès la fonte des neiges) et des montagnes qu’il aime gravir au volant de ses bolides, à cheval ou à pied et dévaler en ski. La Suisse satisfait son goût de  la beauté, de la retraite intellectuelle et du sport au moment où il entame le dernier tiers de sa vie. Hélène de son côté goûte ce carrefour des mondanités internationales qui lui permet de côtoyer têtes couronnées et artistes, comme leur voisin Charlie Chaplin.

Paul Morand ne fut pas un mari fidèle du vivant d’Hélène, il eut sans doute au moins deux enfants naturels, mais il fut à vous lire un veuf merveilleux et sincère ?

David Bonneau : Il y a effectivement quelque chose de très émouvant dans la façon dont Paul entoure Hélène à la fin de sa vie lorsqu’elle devient infirme et perd peu à peu la vue. Il la couve de soins attentionnés allant jusqu’à lui trouver une lectrice, la toute jeune comédienne Nathalie Baye, qui vient prêter sa voix pour suppléer les yeux malades de la princesse et lui permettre de continuer à dévorer les livres, cette occupation qu’elle préférait entre toutes. Le plus précieux pour Hélène, c’est sa présence, lui qui était toujours parti. Paul, qui était de neuf ans le cadet de sa femme, mesure alors pleinement tout ce qu’elle a était pour lui qui n’a pas toujours été à la hauteur. Comme le disait leur ami l’écrivain Marcel Schneider, Hélène bénéficiait d’une sorte « d’extraterritorialité spirituelle et sentimentale ». Ou, dit autrement, Paul a eu de nombreuses maîtresses mais n’a eu qu’un seul maître : Hélène !

Que faut-il garder de Paul et Hélène Morand en 2026 ?

David Bonneau : Sans méconnaître leurs graves errements politiques et idéologiques, et un antisémitisme abject, c’est un couple hors du commun, par l’intensité de leur passion physique (au début) et intellectuelle (jusqu’à la fin), leur mode de vie et une trajectoire qui épouse le XXe siècle et ses soubresauts. C’est une existence extra-ordinaire, au sens propre du terme, vu d’aujourd’hui mais déjà à leur époque. Si Paul a eu de nombreuses maîtresses, il y a en revanche une vraie fusion intellectuelle avec Hélène, davantage sans doute que dans aucun autre grand couple littéraire. Et c’est à dessein que j’ai intitulé « à quatre mains » l’un des chapitres du livre, tant, d’une certaine manière, ils ont construit ensemble l’œuvre de Paul, ce qui est sans doute l’un des apports les plus nouveaux de ce livre. Aujourd’hui, on oublie trop souvent combien Paul Morand a été le premier écrivain de la modernité en langue française et l’immense succès international qu’il a rencontré pendant l’entre-deux-guerres. Proust clôt le XIXe siècle ; lui ouvre le XXe. Il introduit la vitesse, les mœurs effarantes des Années folles, le culte du sport et du corps, fait découvrir à ses contemporains un globe soudainement rétréci. Il ne se contente pas de décrire le monde nouveau, il invente une écriture nouvelle ; Morand est le premier qui ait « jazzé » la langue dira L.F. Céline, ce qui le conduira à considérer Morand comme un maître, lui qui était pourtant avare de ses compliments. Son influence sur la jeune garde littéraire s’étend jusqu’en Chine et au Japon. Sans craindre l’anachronisme, on peut dire que Morand est le précurseur du voyage-Instagram avec ce qu’Hélène appelait sa « formule de voyage rapide : voir les choses absolument essentielles dans beaucoup de pays et non visiter à fond peu de pays ». C’est aussi d’une certaine manière un précurseur de Twitter/X avec son sens incroyable de la formule, comme son célèbre je voudrais qu’à ma mort on fasse de ma peau une valise.

Quel est votre verbatim préféré de Paul Morand ?

David Bonneau : Comme je viens de citer Paul, permettez que cette fois je cite Hélène. « Il faut tenir pour rien un livre qui ne vous force pas à commencer une nouvelle vie » a-t-elle écrit dans un de ses innombrables carnets. Je ne crois pas qu’il y ait de plus belle définition de ce qu’est – ou de ce que doit être – la littérature ; cette littérature qui a été le ciment de leur amour et le cœur battant de leur vie.

Propos recueillis par Béatrice Peyrani
Photos aimablement communiquées par l’auteur: Hélène Morand, en Princesse Soutzo et le couple chez eux à Vevey où ils résident.

À Lire : Paul et Hélène Morand, un couple sulfureux, aux éditions Plon .

La vie belle de Pauline Viardot

Cantatrice et compositrice de génie, Pauline Viardot nous est racontée dans l’intimité de son salon parisien rue Douai, comme une invitation à se joindre à ses amis. On y croise Rossini, Berlioz, Gounod, Ingres, Saint-Saëns, Delacroix, Wagner…  Une vie dans laquelle l’amour s’épanouit en musique et tisse des amitiés indéfectibles. De sa plume animée, Laurence Winthrop fait renaître les grands moments d’une femme au rayonnement généreux. Plein de gaieté et de rebondissements, son roman Pauline Viardot et l’affaire du coffret est un vrai bonheur.

Damier : D’où vous est venue l’envie d’écrire sur Pauline Viardot ?

Laurence Winthrop: J’ai une prédilection pour le XIXe siècle musical et littéraire. À travers sa sœur la Malibran, son amie George Sand, Tourgueniev son ami passionné, Gounod, Saint-Saëns et Berlioz qu’elle a beaucoup aidés, j’ai été intriguée par cette artiste qui semblait indestructible. Et j’ai bien fait : elle était indestructible !

Vous la décrivez comme une femme rayonnante, débordant de joie de vie, très admirée. Selon vous, la fascination qu’elle exerce relève de son talent, de sa célébrité ou de sa personnalité ?

Pauline Garcia, de son nom de jeune fille, a été élevée à la dure, à la très dure par un père professeur de chant intransigeant, mais aimant, ce qui lui a donné une assise on ne peut plus solide, ainsi qu’une capacité de travail hors norme. Sa tessiture couvre quatre octaves. Elle donne son premier récital à 16 ans et chante à 17 ans à Londres Desdémone de Rossini. De quoi se sentir capable de relever tous les défis ! Louis Viardot, son mari, historien spécialiste de l’Espagne, lui offre complicité intelligente et quatre enfants, une vraie famille qui compte pour elle. La fascination qu’elle exerce relève de sa personnalité bien sûr et de son talent exceptionnel de cantatrice, de pianiste, de compositrice qui lui ont amené la célébrité. C’est d’autant plus intéressant qu’elle était laide (« laide, mais pire », dira Saint-Saëns), au contraire de sa sœur dont on chantait la beauté.

Franz Liszt lui a donné ses premières leçons de piano, impressionné par les progrès fulgurants de son élève. Quels ont été ensuite les maîtres de Pauline Viardot ?

À la mort prématurée de sa sœur aînée, la belle et jeune Malibran, son père l’a poussée à prendre la relève et à travailler le chant. Il fut son professeur qui lui a tout appris. Et, comme l’a dit Franz Liszt, elle était capable de progrès fulgurants, non seulement en piano, mais aussi en chant.

Dans votre roman, vous évoquez son cercle d’amis parmi lesquels George Sand. Comment est née leur amitié ?

Elles fréquentaient les mêmes cercles parisiens. Toutes deux passionnées, pleines de talent et d’avenir, elles avaient beaucoup à partager. George Sand a arrangé son mariage avec Louis Viardot. Elles se voyaient beaucoup à Paris, habitant un temps un même lieu à la Nouvelle Athènes, au Square d’Orléans avec Chopin, mais aussi à Nohant. Puis les Viardot font construire un hôtel particulier à la rue de Douai. À la rue Chaptal vivait le peintre Ary Scheffer qui recevait tout ce monde artistique. Pauline Viardot a inspiré George Sand pour un de ses premiers romans : Consuelo.

En particulier, elle accueille à demeure l’écrivain russe aux écrits progressistes Ivan Tourgueniev. Comment expliquer cet attachement qui durera jusqu’à sa mort ?

Ces deux êtres magnifiques ont vécu une très belle histoire. Toute sa vie, il lui a voué son amour passionné, vivant la plupart du temps à côté du couple, partageant avec le mari leur intérêt pour l’art, la peinture, la littérature travaillant notamment ensemble pour traduire ses textes en français, les plaisirs de la chasse et de la vie à la campagne. Pauline apprécie l’homme éperdument amoureux, mais sait qu’elle ne peut répondre à ce qu’il attend. Mais le sait-il lui-même, lui habité par de douloureux sentiments d’orphelin éternel (sa mère l’a toujours rejeté) ? Il y a donc des chassé-croisé d’espoirs, de séparations – et donc une correspondance abondante – qui aboutiront à un lien affectif indestructible jusqu’à la fin de la vie de Tourgueniev à Bougival avec Pauline à ses côtés, peu de temps après qu’elle ait accompagné son mari jusqu’à son dernier souffle.  

Au-delà de l’aspect biographique du roman, vous entraînez le lecteur dans l’affaire rocambolesque du coffret. Vraie ou fausse ?

Totalement fausse ! En fait, j’avais lu les anciennes et excellentes biographies sur Pauline Viardot. Je voulais la faire vivre différemment, dans son cadre familial, avec ses enfants, son mari, ses domestiques et tous les problèmes d’intendance quotidiens. La voir vivre en tant que mère, d’amie de tous ces compositeurs qui trouvaient en elle une inspiratrice. Dans les coulisses se manigancent souvent des tiraillements, des inimitiés, des complots et j’ai utilisé ce fameux coffret dans lequel se trouvait la partition de Don Juan de Mozart, qu’elle avait pu acheter en vendant tous ces bijoux, pour imaginer un projet de vol… Et peut-être faisait-il vraiment l’objet de convoitise ?

Propos recueillis par Ann Bandle

Laurence Winthrop a publié de nombreux articles sur l’histoire de Paris, la musique et ses interprètes. Parmi ses derniers livres, La Dame de la Chavonnière paru aux Éditions la Baconnière à Genève.

MW Éditions – 216 pages 

 

Cinq questions à Stéphanie Chardeau Botteri, autrice de Gustave Caillebotte, L’impressionniste inconnu

Cette experte en œuvres du XIXème siècle, membre de la Chambre nationale des experts spécialisés à Paris, signe une biographie passionnante et attachante sur son talentueux aïeul, peintre et mécène généreux. C’est grâce aussi au leg de Gustave Caillebotte à l’État d’une partie de sa collection, que les visiteurs du Musée d’Orsay ont le bonheur d’y admirer des toiles devenues aussi emblématiques du mouvement impressionniste que Le Balcon d’Édouard Manet.

Stéphanie Chardeau Botteri sera en dédicace au Salon du Livre amopalien, mercredi 15 octobre 2025, à la mairie du 7eme arrondissement de Paris, à partir de 14 heures.

 Damier : On connaissait déjà Gustave Caillebotte, peintre talentueux de toiles désormais iconiques, comme Les Raboteurs de parquet et Rue de Paris, temps de pluie, mais à la lecture de votre livre, c’est aussi un mécène, un chef de troupe et un ami formidable que l’on découvre. Votre aïeul a joué un rôle clé dans l’émergence et la postérité des impressionnistes, n’est-ce pas ?

Stéphanie Chardeau Botteri : Vous avez raison, Gustave Caillebotte a été, dès 1875, un des grands amis et soutien financier de Renoir, Monet, Degas et Pissarro. Son père Martial étant décédé en 1874, Gustave hérite jeune et met cette somme au service de ses amis peintres en achetant leurs œuvres pour les soutenir. Il choisissait toujours des œuvres très innovantes pour l’époque, parfois trop modernes pour être achetées par le public. Il était connu pour cette petite phrase : « Personne n’en veut, j’achète ! ». Il choisissait toujours avec un œil sur, clairvoyant, audacieux.
En parallèle, il joua le rôle d’agent artistique en aidant sans relâche les artistes pour les expositions organisées en marge du Salon officiel. Trouvant les locaux, les louant, payant les divers frais comme les cartons d’invitations ou les catalogues.
Il essaya aussi, pendant toutes ces années, de conserver une bonne entente entre les peintres – aux caractères différents – afin que le groupe reste uni, soudé. De nombreuses correspondances avec les artistes l’attestent ; elles sont retranscrites dans mon livre sous forme de dialogues.

Damier : Malgré son investissement majeur dans la peinture, en tant que collectionneur et artiste, Gustave avait de nombreuses passions, comme les timbres et la voile. Comment pouvait-il trouver le temps de mener avec une telle intensité tous ces hobbies?

Stéphanie Chardeau Botteri :  Le mot qui décrit le mieux Gustave Caillebotte est la passion.

C’était un homme passionné : passionné par le mouvement impressionniste, la nouvelle peinture, par le philatélie, les régates, l’horticulture. Pour s’investir ainsi dans toutes ces activités, je pense que c’était un homme rapide, qui allait vite.
Dans de nombreuses lettres, on voit du reste, qu’il n’aimait pas perdre son temps ; par exemple il détestait les longues réunions interminables qui n’aboutissaient pas ! Il était très scrupuleux, attentionné aux détails mais il fallait que cela progresse rapidement. C’est ainsi qu’il pouvait faire autant de choses.

Damier : Au fil des pages de votre ouvrage, l’identité et la vraie vie de ceux qui ont inspiré les toiles les plus célèbres de Renoir ou de Gustave apparaissent (Je pense par exemple à Charlotte Berthier, madame Charpentier, le libraire E.J Fontaine…). Comment avez-vous plongé dans l’intimité de Gustave et de ses amis ?

Stéphanie Chardeau Botteri : C’est par les différentes lettres que j’ai pu avoir accès à l’intimité de Gustave et de ses proches.

Damier : La famille de Gustave était à la fois à la pointe de la modernité et aussi très connectée à la nature. Son père avait acheté une résidence secondaire à Yerres en Seine-et-Oise, il y a une orangerie, une glacière, une ferme avec écuries, étable, volière, mais il décide d’habiller la laiterie en petit chalet suisse, parce que c’est le goût de l’époque ou la famille a-t-elle un tropisme pour la République helvétique ?

Stéphanie Chardeau Botteri : La famille Caillebotte aimait à se ressourcer dans la nature. Elle prenait la peine d’atteler toutes les semaines une calèche pour se rendre à Yerres afin d’être au plus près de la campagne, des animaux, de la rivière où les jeunes canotaient sur de longues périssoires. Martial Caillebotte père a du tres certainement s’inspirer de la Suisse pour transformer sa laiterie en un petit chalet suisse ! Aujourd’hui, ce petit chalet existe toujours, il abrite un restaurant en face de la Maison Caillebotte.

Damier : Qu’avez- vous appris vous-même en menant l’enquête sur Gustave ?

Stéphanie Chardeau Botteri : Même si j’ai baigné dans l’histoire des Caillebotte dès ma naissance par mon arrière-grand-mère Geneviève Caillebotte (la nièce de Gustave) que j’ai connue jusqu’à mes quatorze ans, j’ai dû mener certaines enquêtes pour être au plus près de la vérité. C’est ainsi que j’ai découvert que j’avais cette même impatience et ce même caractère passionné.

Propos recueillis par Béatrice Peyrani

Raffaella Bruzzi : l’art dans toute sa vérité

Avec l’exposition « Odyssée », la palette bleutée de Raffaella Bruzzi invite à une évasion sereine entre mer et ciel, au plus près de ses émotions.

Avant de se consacrer pleinement à la peinture, l’artiste italo-suisse, diplômée de l’école polytechnique de Milan, a posé ses valises au bord du Léman en 2004 pour entreprendre un doctorat à la Faculté de biologie et médecine. Ce parcours singulier, à la croisée des sciences et de la sensibilité humaine, l’amène tout naturellement à exposer à la Galerie de l’hôpital de Morges. Un geste bienveillant. Là, plus qu’en tout autre lieu, l’art distille sa lumière apaisante. Confidences.

Damier : Quelle est la genèse de l’exposition Odyssée ?

Raffaella Bruzzi : L’exposition Odyssée est le fruit d’une rencontre avec Irene Wasserman, responsable de la Galerie de l’Hôpital de Morges et des projets culturels de l’EHC, lors de mon exposition à la Fondation L’Estrée l’an passé. Touchée par plusieurs œuvres de ma série Il mio Mare, jusque-là présentée de façon fragmentaire, elle a souhaité offrir au public une immersion complète dans cet univers chromatique.
Pour la première fois, ces toiles se retrouvent rassemblées, dialoguent entre elles, et déploient toute leur puissance émotionnelle. Rassemblées, ces œuvres produisent un effet presque physique : on est entouré, enveloppé, bercé par une sensation de vague, d’onde, de souffle.
Nous avons voulu créer un espace visuel qui évoque l’aventure humaine, intime et universelle.

Que cherchez-vous à transmettre à travers cette exposition lumineuse dans un environnement hospitalier ?

Exposer dans un lieu de soin donne une résonance particulière à mon travail. C’est un espace porteur d’une densité, d’une fragilité, d’une attention à l’autre — autant de dimensions qui font profondément écho à ce que je cherche à transmettre. Et comme il s’agit de l’exposition d’été, Odyssée prend un sens encore plus fort. Elle devient une invitation au voyage pour celles et ceux qui ne peuvent partir. Elle apporte la mer à l’hôpital, le mouvement à l’immobilité, des fenêtres vers un ailleurs plus doux. J’espère qu’elles accompagnent les patients, le personnel, les visiteurs — pour réconforter, peut-être même pour éveiller quelque chose de plus profond : une sensation d’unité, de présence à soi.

Vous évoquiez que vos œuvres sont le miroir de votre âme, revenir toujours au cœur de soi-même, est-ce une forme de méditation ?

Absolument. Créer me rappelle chaque jour que la beauté peut surgir de la complexité, que la lumière peut coexister avec les zones d’ombre. Peindre devient un acte de présence, une manière de faire résonner l’invisible. C’est un voyage intérieur, certes, mais profondément tourné vers l’autre. L’œuvre devient un lieu de rencontre, un miroir de l’âme dans lequel chacun peut projeter une part de soi et, ce faisant, ressentir une forme de lien, d’humanité partagée. 
Créer de l’art, c’est une respiration essentielle, un besoin vital de connexion à moi-même et aux autres. 

Quel est l’impact de vos études d’ingénieur sur votre peinture ? 

L’ingénierie m’a appris la cohérence, la rigueur, le sens de la structure. On pourrait croire que cet héritage rationnel s’oppose à la liberté de l’abstraction. Mais au fond, dans les deux cas, il s’agit d’une même démarche de recherche. Simplement, ce langage ne me suffisait plus pour exprimer ce que je portais en moi. J’éprouvais le besoin d’explorer un champ plus vivant, plus vaste, plus intime — un espace qui dépasse la seule logique. C’est un espace où je ne cherche pas de solution, mais une résonance. Et parfois, ce que l’on ressent dépasse la raison et touche à quelque chose de bien plus puissant. Il y a aussi cette notion de liberté. Dans l’abstraction, je peux me détacher des règles, accueillir l’inattendu, improviser, me perdre. 

Un peintre  suisse qui vous inspire ?

Je mentionne trois peintres, Ferdinand Hodler, Kurt von Ballmoos et Pietro Sarto, pour lesquels le ciel, l’espace infini et la lumière occupent une place centrale. Ces éléments imprègnent leurs œuvres d’une gravité, d’une humanité et d’une dimension mystique qui résonnent avec ma propre démarche artistique.

Propos recueillis par Ann Bandle

Exposition Odyssée
Galerie de l’Hôpital de Morges
Chemin du Crêt 2, Morges

Ouverture au public tous les jours de 14h à 20 h.
Jusqu’au 5 septembre 2025.

L’intelligence artificielle, ange ou démon pour les écrivains ?

Entretien avec Alina Krasnobrizha, maître de conférence en mathématiques appliqués à Paris X et coautrice avec Arnaud Contival, de La Révolution IA, quand l’intelligence artificielle réinvente l’entreprise, publié aux éditions Héliopoles.

Damier : Que peut apporter l’IA à un créateur de contenu, auteur, scénariste, éditeur, publicitaire?

Alina Krasnobrizha : Alina Les outils de l’IA transforment en profondeur les métiers de la création. Cependant, il ne s’agit pas de remplacer la créativité humaine ; au contraire, l’IA l’enrichit, l’accélère et ouvre de nouvelles possibilités techniques. C’est un peu comme à l’époque où nous avons commencé à utiliser le PC pour écrire ou concevoir des images : cela a changé notre façon de créer. Aujourd’hui, nous passons à un nouveau niveau. Nous disposons d’outils capables non seulement d’optimiser certains aspects de la production, mais aussi de repenser complètement le processus créatif.

L’IA intervient dans la génération d’images, de vidéos et de textes, mais elle agit également comme un assistant ultrarapide qui ne dort jamais, qui pose des questions, structure la pensée, suggère des idées et traduit dans plusieurs langues. Imaginez pouvoir générer des dizaines de concepts en quelques minutes, explorer des styles que vous n’auriez jamais imaginés, ou dépasser vos propres blocages créatifs.

L’IA est un démon ou une chance pour les créateurs, artistes ou auteurs ?

L’IA n’est ni un démon, ni un ange gardien, c’est un outil extraordinaire qui va profondément transformer ces métiers. On nous propose des outils incroyables qui multiplient les possibilités de création, mais il faut apprendre à les utiliser correctement.

Les IA génératives, en elles-mêmes, ne créent rien avant qu’on leur pose des questions (un prompt). C’est ce prompt qui reflète notre créativité. Et c’est ce nouveau workflow, que l’on peut organiser grâce à ces outils et aux agents qui émergent, qui permet d’accélérer le processus créatif.

Le véritable gagnant sera celui qui saura maîtriser cet outil. Dans notre livre “La Revolution IA”, nous parlons du concept de « professionnel augmenté » : une personne capable d’accomplir plus de tâches répétitives en s’appuyant sur l’IA pour libérer du temps et se concentrer sur ce qui fait la véritable valeur de la création.

L’IA ne va t elle pas aspirer… leur travail et leur créativité ?

En effet, l’IA démocratise la création. Elle ouvre grandes les portes des métiers créatifs, permettant à un nombre croissant de personnes de produire un contenu professionnel de haute qualité. Cela permet d’augmenter le business et d’accélérer l’innovation. Par exemple, les startups peuvent se passer d’agences marketing et investir davantage dans leurs produits. Vu l’importance cruciale de la présence sur les réseaux sociaux, c’est un avantage considérable donc cela bénéficie au développement du business en général. En revanche, cela permet aussi aux professionnels de la création d’atteindre de nouveaux sommets. La création devient ainsi plus agile, plus accessible. Grâce à ces nouveaux outils, il est désormais possible de produire du contenu avec moins de moyens et plus d’efficacité, tout en allant plus loin dans ses ambitions. Aujourd’hui, on est capable de créer tout seul ce qui nécessitait une équipe technique auparavant.

A contrario ignorer l’IA est-il encore possible dans l’édition, la musique, l’architecture, le cinéma… etc?

Non. Ignorer les outils de l’IA et procrastiner, c’est prendre du retard.
Tout d’abord, l’IA permet d’être plus efficace, notamment dans les tâches administratives et répétitives à faible valeur ajoutée : remplissage de contrats, correction de textes, recherche documentaire, etc. L’efficacité est un facteur clé dans le business. Ne pas adopter ces outils, c’est courir le risque de se faire dépasser par la concurrence. On voit déjà des exemples où une seule personne peut accomplir le travail de 10, voire 100 personnes, et même remplacer une agence entière.

Du coté business, le challenge est plus ambitieux car il faut changer l’organisation entière. Dans notre livre “La Revolution IA”, nous donnons l’exemple de PMG, une grande agence marketing basée à Dallas. Cette entreprise de 800 personnes gère la publicité de marques comme Nike, Apple et Netflix. Il y a deux ans, son PDG a recruté un Chief Technology Officer pour transformer l’agence, convaincu que sans l’adoption de l’IA, l’agence cesserait d’exister. Aujourd’hui, cette agence met en place un workflow avec l’IA pour produire ses créations ; c’est davantage une boîte technologique qu’une agence de marketing. Les enjeux sont colossaux : il faut être agile et visionnaire, car prendre du retard serait impardonnable.

Une entreprise de tech peut intégrer et gérer des ingénieurs compétents en IA mais qu’en est il pour les indépendants romanciers et autres… artisans de la création ? Comment peuvent-ils se former comprendre ou intégrer l’IA dans leur quotidien sans perdre leur âme ?

L’IA en tant que discipline existe depuis près de 70 ans, mais c’est seulement maintenant que nous assistons à une véritable révolution dans son usage. Ce qui change tout, c’est notre capacité à interagir avec la machine en langage naturel, et surtout, le fait qu’elle nous comprenne. C’est cette avancée qui rend l’IA accessible à tous, et plus seulement aux chercheurs ou aux data scientists.

Parmi mes connaissances, il y un artiste qui sculpte le marbre en s’inspirant des œuvres de la Grèce antique, mais en les modifiant selon des contraintes physiques : il crée du marbre qui semble couler, tourbillonner, bouger. Son travail de base n’est pas très différent de celui des sculpteurs grecs : il polit, il coupe, il frappe. Mais avant de réaliser ses œuvres, il utilise une simulation numérique en 3D qui lui permet de mieux visualiser les effets recherchés.

L’IA est un outil qui permet d’explorer de nouvelles possibilités sans remplacer l’intention créative. Il suffit d’oser et d’essayer. De plus, ce défi lié à nos métiers nous pousse à nous remettre en question, et c’est dans ces temps de singularité que naît la véritable création.

Propos recueillis par Béatrice Peyrani

 

 

Entretien avec Hélène Jacobé, autrice du Lotus Jaune

Premier roman d’Hélène Jacobé, Le Lotus jaune est en lice pour le Prix de la Ville de Lausanne, aux côtés de quatre autres finalistes : Marc Agron pour La vie des choses aux éditions de la Veilleuse, Bastien Hauser pour Une singularité aux éditions Actes Sud, Catherine Lovey pour Histoire de l’homme qui ne voulait pas mourir aux éditions Zoé, Lorrain Voisard pour Au coeur de la bête aux éditions d’en bas.

Le pitch  de ce roman historique envoûtant et dépaysant: Le Lotus jaune aux éditions Favre et Héloise d’Ormesson.

La famine sévit dans en Chine. Fille dur pauvre batelier, la jeune Lin Hei’er orpheline de mie, rejoint un cirque. Sa joie d’échapper à la misère bascule vite quand elle réalise que ses sauts et son habileté suscite autant l’admiration que la jalousie et les convoitises des hommes.

Pour protéger son honneur, elle se refuse à un riche marchand qui tente d’acheter sa virginité. C’est le début d’une fuite qui va la mettre aux prises avec les grandeurs et misères de son époque et de son peuple. Elle va tour à tour endosser les habits et l’âme d’une courtisane, d’une guérisseuse, puis de la fondatrice de la première milice de femmes, celle des Lanternes rouges qui jouera un rôle majeur dans la fameuse guerre des Boxeurs. Hélène Jacobé nous emmène dans l’ère crépusculaire de la dynastie Qing et nous fait revivre l’épopée de la Sainte Mère du Lotus Jaune, un personnage historique encore célèbre aujourd’hui en Chine.

Trois questions avec cette  enseignante franco-suisse, qui vit à Fribourg, passionnée de reiki et d’histoire.

Damier : Avez vous un lien avec la Chine ou les descendants de votre héroïne?

Hélène Jacobé: Je n’ai pas de connexion particulière avec la Chine, à part des bons souvenirs du cinéma des années 90, comme Le dernier empereur ou Le Palanquin des larmes. J’ai découvert Lin Hei’er et la guerre des Boxeurs par hasard sur Wikipédia, et ai eu envie d’en savoir davantage. Je me suis donc plongée dans cet univers, et ai particulièrement apprécié la découverte du Yi King et de Confucius.

Lausanne, le 07 décembre 2023, l’autrice Hélène Jacobé, pour les Editions Favre. ©Florian Cella/Ed. Favre

Damier : De quel chapitre  êtes vous la plus satisfaite?
Hélène Jacobé : C’est difficile d’être satisfaite d’un passage. Mais je crois que j’aime particulièrement le dernier chapitre.
Damier : Continuez vous de parler à vos personnages?
Hélène Jacobé : Les personnages m’ont longtemps habitée, mais désormais j’écris un autre roman qui occupe toutes mes pensées. Bien sûr, Lin Hei’er reste dans mon coeur.
Damier  : Allez vous écrire une suite du Lotus Jaune ?
Hélène Jacobé :Je ne pense pas écrire une suite : l’histoire de Lin Hei’er est terminée. Or c’est elle qui m’a vraiment intéressée. Je pars maintenant au XIVème siècle, pour un autre roman historique porté par un personnage féminin, mais en Europe!
Propos recueillis par Béatrice Peyrani

 

Récompense littéraire

Sophie Barth-Gros remporte le Prix 2024 de la Société Littéraire de Genève avec Beatenberg

Ce brillant roman dépeint une parenthèse onirique entre de grands noms de l’art et de la littérature à la fin de l’été 1922. Le poète Rainer Maria Rilke et sa compagne, l’aquarelliste Baladine Klossowska, rejoignent Balthus, le fils de Baladine, dans une colonie d’artistes à Beatenberg. Ils y rencontrent la sculptrice Margrit Bay. L’auteure explore avec finesse les relations et interactions complexes entre ces acteurs et leurs interrogations au lendemain de la Première Guerre mondiale. Décryptage avec Sophie Barth-Gros.

Damier : Qu’est-ce qui vous a amené à Beatenberg pour nous raconter le séjour de Rilke et de la mère de Balthus, Baladine Klossowska ?

Sophie Barth-Gros : Tout a commencé par un hasard. En découvrant que mon oncle et ma tante avaient habité presque dans le même bâtiment que Balthus à Fribourg, j’ai été intriguée par ce peintre, que je connaissais peu jusque-là. Mes recherches m’ont rapidement menée à Beatenberg, où Balthus passait chaque été et certains hivers de ses 9 à ses 26 ans, accueilli par Margrit Bay dans sa colonie d’artistes. Ce lieu chargé d’histoire et de contrastes – à la fois alpestre et spirituel, avec des hôtes prestigieux et des habitants locaux – a constitué une toile de fond idéale pour explorer les relations et influences entre Rilke, Baladine, Balthus et Margrit Bay.

Comment avez-vous abordé la recherche, quelles sont les sources consultées ?

La recherche a été une part essentielle de ce projet. J’ai travaillé à partir de nombreuses archives, notamment les Archives littéraires suisses à Berne, où sont conservés des dessins de Margrit Bay. J’ai également consulté des correspondances, comme celles entre Rilke et Baladine, et lu des biographies détaillées des personnages historiques. Des guides touristiques de l’époque m’ont aidée à imaginer Beatenberg dans les années 1920, et j’ai aussi eu la chance de visiter le village plusieurs fois. Enfin, des rencontres humaines – notamment avec la petite-nièce de Margrit Bay et des passionnés locaux – ont enrichi ma compréhension de l’époque et des lieux.

Où se situe la frontière entre le réel et l’imaginaire du récit ?

Le roman s’appuie sur une base historique solide : les séjours de Balthus à Beatenberg, la colonie d’artistes de Margrit Bay, et bien sûr la présence de Rilke en 1922. Cependant, pour combler les silences des archives et donner vie aux relations entre les personnages, j’ai dû me tourner vers la fiction. Les interactions, dialogues et pensées des personnages sont imaginés, mais ancrés dans un contexte historique et biographique réaliste. Mon but était de respecter les faits tout en explorant des hypothèses sur les influences artistiques et humaines qui auraient pu naître de ces rencontres.

Baladine fut le dernier amour de la vie mouvementée de Rilke, comment définissez-vous en quelques mots leur relation et leur influence réciproque ?

Pour comprendre leur relation, j’ai lu leur correspondance telle qu’un éditeur zurichois la publie au début des années 1950. J’ai ainsi découvert une Baladine lyrique, spontanée, voir illogique, à fleur de peau, peu sûre d’elle, insistante, et un Rilke autocentré, attentif et en recherche d’attention, directif, fuyant. Le recueil est une sélection de leur correspondance, elle est beaucoup plus abondante. Il y a eu un vrai travail d’édition pour faire dire à leurs échanges la grandeur du poète et l’amour de l’aquarelliste. Baladine a participé au choix des lettres et la publication ne s’est faite qu’une fois son accord reçu. On attribue souvent à Baladine le retour de Rilke à l’écriture après la dépression dont il souffre pendant la guerre et qui l’empêche de terminer ses Elégies. C’est certainement vrai, mais un regard actuel sur leur relation pourrait aussi la définir comme déséquilibrée, tumultueuse, voire toxique. 

Parmi les protagonistes du roman, lequel vous a particulièrement émue ? 

Margrit Bay m’a émue. En tant qu’artiste et pionnière, elle a su créer un espace unique à Beatenberg, où la créativité et la spiritualité coexistaient. Son rôle dans l’éducation artistique de Balthus, sa sensibilité et son engagement pour sa communauté m’ont touchée. Elle incarne un lien fort entre l’individuel et le collectif, entre l’art et la vie quotidienne, mais elle est aussi un archétype de la place réservée aux femmes dans la création au début du XXe siècle et de leur postérité. Elle ne se marie jamais, l’histoire ne retient quasiment rien de son travail, elle est très active, mais principalement dans les associations d’artistes féminines. Sa famille doute de ses habitudes. 

Propos recueillis par Ann Bandle

Sophie Barth-Gros lors de la remise du Prix 2024 de la Société Littéraire de Genève.
Le discours de présentation de l’ouvrage et de laudatio furent prononcés par le professeur Jacques Berchtold, président du jury.


Sophie Barth-Gros
Beatenberg
Paru aux Éditions de l’Hèbe
Mars 2024 – 120 pages

Isabelle de Montolieu, l’éclat d’une plume

 

Marion Curchod se penche sur la vie d’Isabelle de Montolieu, célèbre romancière et traductrice lausannoise, et nous brosse un portrait inédit. Entretien.

Damier : Pourquoi avez-vous choisi Isabelle de Montolieu parmi les femmes de lettres de son époque?
Marion Curchod : Je souhaitais remettre en lumière une femme oubliée et travailler avec des manuscrits inédits. Or, la Bibliothèque cantonale et universitaire de Lausanne possède un grand fond sur elle qui n’a pratiquement jamais été exploité et qui contient une masse de documents révélateurs.

Quelles étaient les sources d’inspiration de ses romans ?
Elle a écrit des fictions en s’inspirant des textes qui plaisaient au lectorat de son temps. Les intrigues sentimentales étaient  recherchées, notamment depuis La Nouvelle Héloïse de Rousseau. Mais elle s’est également inspirée énormément de la Suisse autant pour les intrigues que pour les descriptions dans ses récits. Elle aimait son pays et cela se ressent dans plusieurs récits, en particulier dans les Châteaux suisses dans lesquels elle décrit la campagne vaudoise de manière élogieuse. En outre, Isabelle de Montolieu a abordé d’autres thématiques dans ses ouvrages qui constituaient des sujets recherchés ou porteurs d’intérêt pour ses contemporains, tels que la botanique, la philosophie, la religion ou la morale. Elle a aussi été influencée par les auteurs étrangers qu’elle a traduits ou adaptés à sa manière pour le public francophone. De surcroît, plusieurs extraits de ses œuvres nous révèlent des émotions qu’elle a ressenties ou des événements qu’elle a vécus.

Malgré le succès de ses propres livres et traductions de grands auteurs tels que August Lafontaine et  Jane Austen, la baronne de Montolieu peine à subvenir à ses besoins. Les femmes rencontraient-elles des difficultés à être rémunérées?
Tout à fait, il était très difficile pour les femmes d’être reconnues et rémunérées pour leurs écrits. À cette époque, elles ont deux choix pour être publiées : soit elles écrivent des livres sérieux, prouvent leur légitimité, donnent leur opinion ou émettent des critiques de la société, mais ne sont pas les bienvenues dans le monde littéraire régit par les hommes et doivent souvent s’auto-publier (ce qui est coûteux) ; soit, comme Isabelle de Montolieu, elles acceptent les règles établies par les hommes et écrivent des récits sans prétention, en revendiquant une posture d’amusement et de loisir, et sont acceptées dans le milieu littéraire. Il faut savoir que Paris était alors le centre de la littérature et les imprimeurs-libraires ont profité de l’éloignement de la romancière lausannoise pour réduire ses gains.

Comment expliquer que son nom soit aujourd’hui pratiquement tombé dans l’oubli ?
Cela est difficile à expliquer, mais la raison la plus probable reste que ses écrits étaient essentiellement de la littérature sentimentale et que le réalisme, arrivé dès 1830 dans le paysage littéraire, a supplanté le romantisme. De ce fait, la plupart de ses textes sont devenus désuets. Quelques ouvrages à portée nationaliste ont survécu et étaient encore vendus au XXe siècle, mais ils sont finalement également tombés dans l’oubli.

Propos recueillis par Ann Bandle

Marion Curchod est diplômée de l’Université de Lausanne. Dans son mémoire La main derrière la plume, Vie et écrits d’une femme de lettres vaudoise : Isabelle de Montolieu (1751-1832), réalisé sous la direction du professeur Léonard Burnand, elle a contribué à remettre en lumière la destinée et la production d’Isabelle de Montolieu à travers l’analyse de documents archivistiques inédits. En 2021, Marion Curchod a également publié un recueil de nouvelles, Entre la nuit et le jour.

Isabelle de Montolieu, L’éclat d’une plume – paru en 2023
Marion Curchod
En vente aux Editions Infolio ou en librairie

Trois questions à l’équipe du Livre sur les quais

Alix Billen, la nouvelle directrice générale du Livre sur les quais, Adelaïde Fabre, sa directrice artistique et  Valérie Meylan, sa  responsable programmation jeunesse et médiation culturelle dévoilent les temps forts de la 15ème édition de ce festival qui lance l’ouverture de la rentrée littéraire sur la cote lémanique le 30 août prochain, à Morges.

Quelles seront les grandes nouveautés de cette 15ème édition de Livre sur les quais?
Pour fêter cet anniversaire, nous avons choisi de développer deux fils rouges dans la programmation. L’un autour de l’écologie, enjeu majeur aujourd’hui, et l’autre autour du thème du corps et du sport, actualité olympique oblige. Ces deux thématiques rayonneront dans toutes les programmations : adulte, jeunesse, anglophone. Nous proposerons ainsi des discussions, lectures mais aussi des ateliers en écho, comme un cours de yoga gratuit avec Julien Lévy pour apprendre à se reconnecter à son corps, ou encore une balade à vélo sur les rives du lac avec Michaël Perruchoud, grand féru de cyclisme qui fera découvrir les grands coureurs d’une manière insolite.

L’autre nouveauté est de confier la présidence à deux auteurs : Maylis de Kerangal, figure incontournable de la scène littéraire française, qui publie en août un grand et sublime roman Jour de ressac (éditions Verticales) et Joseph Incardona, auteur suisse atypique et incontournable. Tous les deux se verront confier des cartes blanches et inviteront des écrivains de leurs choix : Grégoire Bouillier pour Maylis de Kerangal et Lou Lepori pour Joseph Incardona.

Pour cette 15e édition, Le livre sur les quais aura son propre stand sur les quais, à côté de la Billetterie & Info public. L’occasion de célébrer le festival avec différents articles souvenirs à la vente aux couleurs de la manifestation ainsi que des informations pour Le cercle des amis du Livre sur les quais.

Le public profitera aussi d’un concours photo durant les trois jours du festival. Les visiteuses et visiteurs pourront tenter de gagner l’un des dix bons d’achat d’une valeur de CHF 50.- à dépenser dans les différents commerces morgiens de la COOR.

 Pourquoi avoir choisi cette année la Suisse comme invitée vedette?
 Il nous semblait important pour cet anniversaire de mettre à l’honneur la richesse de la littérature suisse et sa diversité linguistique. Ce qui n’avait jamais été fait. Ce sera l’occasion de rencontrer des auteurs tessinois, suisses allemands, romanches comme Walter Rosselli, Ariane Koch, Pedro Lenz, Peter Stamm, Olimpia De Girolamo et bien d’autres. Toutes ces langues résonneront pendant ces 3 jours sur les quais de Morges. Nous tenions aussi à mettre en avant le travail précieux des traductrices et traducteurs, indispensables passeuses et passeurs, comme notamment Camille Luscher, Lucie Tardin, Aline Delacrètaz, Pierre Deshusses, Benjamin Pécoud, Camille Logoz…. Le travail que nous menons depuis des années avec le Centre de traduction littéraire de Lausanne et la fondation Looren est bien entendu un élément essentiel. Un atelier de traduction plurilingue mené par Walter Rosselli sera l’occasion de se frotter à ces pluralités des langues.

Les auteurs romands seront bien sûr comme tous les ans présents et fort bien représentés. Nous pouvons noter les présences de Louise Bonsack, Lorrain Voisard, Anouk Hutmacher, Marlène Charine, Martine Ruchat, Quentin Mouron, Tasha Rumley, Juliette Granier, Maxime Rustchmann, Daniel de Roulet, Alain Freudiger…..

Nous fêtons avant l’heure les 50 ans des éditions Zoé, éditeur exigeant et singulier et recevrons nombre de ses auteurs : Catherine Lovey, Catherine Safonoff, Gabriela Zalapì, Michel Layaz, Katja Schönherr, Lukas Bärfuss, Blaise Hofmann….

Les 100 ans des éditions Labor et Fides seront également célébrés lors d’un cercle de lecture avec le Prix Européen de l’essai.

Comment le festival va-t-il tenter de séduire les plus jeunes publics ?
« Les plus jeunes publics se séduisent d’abord à travers les adultes qui les amènent au festival ». Pour les tout-petits, Osons les livres! est la meilleure façon de plonger dans la littérature, qui permet aux enfants dès 6 mois de se faire raconter et lire des livres par des animatrices expérimentées et enthousiastes. Pour les plus grands, différents ateliers sont mis sur pied : ateliers d’écriture, atelier de dessin, rencontres avec leurs autrices et auteurs préférés. Un rallye est également prévu qui permettra aux enfants de découvrir les autrices, auteurs, illustratrices et illustrateurs jeunesse présents sur les quais. A ne pas rater non plus la lecture dessinée de Benjamin Chaud et Meunier et la lecture de Blaise Hofmann, musicale et dessinée par Adrienne Barman et Stéphane Blok.

Propos recueillis par Béatrice Peyrani

Le programme officiel de Livre sur les quais:

Quand Gorki tutoyait Gogol



Les éditions des Syrtes à Genève publient une nouvelle version du Bourg d’Okourov de Maxime Gorki, écrit pendant son exil en 1905 à Capri. L’occasion de découvrir la plume sensible et authentique de ce romancier russe pas si éloigné de son fantasque confrère ukrainien Nicolas Gogol. Entretien avec son traducteur Jean-Baptiste Godon[1].

Pourquoi avoir choisi de republier ce texte ?
Jean-Baptiste Godon. Bien qu’il soit relativement peu connu en France, Le bourg d’Okourov occupe une place importante dans la production de Gorki. Il est le premier volet d’une trilogie inachevée consacrée à la vie provinciale (parfois qualifiée de « cycle d’Okourov ») et s’inscrit de ce point de vue dans le prolongement des chroniques provinciales que l’on retrouve chez des auteurs tels que Gogol, Leskov, Saltykov-Chtchedrine, Bounine ou Zamiatine. Dans ce récit pittoresque, Gorki s’efforce de décrire la province russe telle qu’elle est réellement, ses attentes, ses travers et ses angoisses à l’époque de la révolution de 1905, période charnière de basculement entre la Russie ancestrale et la nouvelle Russie soviétique.
Le bourg d’Okourov est l’un des rares textes longs de l’œuvre de Gorki qui n’avait pas fait l’objet d’une traduction intégrale en français. La première traduction réalisée en 1938, intitulée Tempête sur la ville, comportait de nombreuses coupes représentant près du tiers du texte original. Ce dernier est publié pour la première fois en intégralité en français dans la présente édition révisée. Ces passages inédits concernent notamment les opinions négatives formulées par les habitants d’Okourov sur les étrangers et en particulier les populations allemandes présentes en Russie. Malgré ces coupes, la première traduction française du récit fut placée sur la « liste Otto » des ouvrages jugés antiallemands et interdits en France par la propagande nazie pendant l’Occupation. Il s’agit d’une traduction partiellement inédite en français d’un texte important dans l’œuvre de Gorki et qui révèle sa vision authentique de la Russie provinciale à la veille de la révolution, sans le vernis du réalisme socialiste que l’on trouve dans certaines de SES œuvres les plus connues.

Gorki a écrit ce roman à Capri, pouvez-vous nous en dire plus sur les conditions de son écriture ?
JBG. Gorki écrit Le bourg d’Okourov à Capri pendant l’été et l’automne 1909, le texte fut publié pour la première fois en Russie en décembre 1909. Il fit l’objet de plusieurs variantes successives dont la dernière, approuvée par l’auteur en 1922 et reprise dans ses Œuvres complètes en vingt-cinq volumes en 1971, sert de base à la présente édition. Gorki écrit vite car la province russe est un sujet qu’il connaît bien et affectionne particulièrement. Il dira d’ailleurs à ce propos qu’il aurait pu faire du Bourg d’Okourov un roman en dix volumes tant les petites villes de province lui étaient familières.
Gorki qui vit en exil à Capri depuis octobre 1906 a déjà publié Le Chant du pétrel (1901), Les Bas-fonds (1902) et La Mère (1906). Il est alors un écrivain célèbre en Russie et dans le monde pour ses œuvres engagées et sa participation à la révolution de 1905. L’écriture du Bourg d’Okourov intervient cependant à une époque à laquelle l’écrivain est en conflit avec une partie des dirigeants bolcheviks. Il soutient alors la théorie de la construction de Dieu, appelant à l’édification d’une religion de l’humanité plutôt qu’à la négation matérialiste de la foi promue par Lénine. Il participe également à cette époque, contre la volonté de ce dernier, à la création d’une école de propagande destinée à former la conscience politique des ouvriers russes invités à cet effet à Capri. C’est donc dans un contexte de tension et de distanciation vis-à-vis de la doctrine et des méthodes bolchéviques que Gorki écrit Le bourg d’Okourov. 

Gorki nous fait entendre la voix de plusieurs personnages mais finalement n’en privilégie aucun semble-t-il ? Pourquoi ?
JBG. Il semble que cela résulte précisément de l’intention de l’écrivain de dresser un tableau réaliste de la Russie provinciale telle qu’il la perçoit alors : avec humour et poésie mais sans noircir ou embellir les élites ou les démunis d’Okourov. En ce sens Le bourg d’Okourov peut être considéré comme une mise en garde contre la vision manichéenne des révolutionnaires quant à la nature humaine et la province russe. Il révèle également les doutes et les craintes de Gorki quant aux conséquences dramatiques d’un bouleversement révolutionnaire qu’il appelait pourtant de ses vœux.  

Quel retentissement a eu ce texte de Gorki en URSS ? Et aujourd’hui en Russie ?
JBG. Le bourg d’Okourov fut considéré par la critique de l’époque comme une œuvre charnière dans la production de Gorki, par laquelle il délaissait la vision engagée de ses écrits précédents pour une approche plus fine de la société russe et de sa complexité. Certains qualifièrent le récit d’œuvre réactionnaire révélant le socialisme incertain de l’auteur (ce dont se défendit Gorki). D’autres soulignèrent la qualité littéraire de son texte, le raffinement de son style de conteur et le caractère extrêmement vivant qu’il réussit à insuffler à ses personnages. La propagande soviétique s’efforça après sa mort de remodeler l’image de Gorki, d’effacer ses profondes contradictions, pour souligner le soutien qu’il apporta au régime notamment après son retour en Union soviétique au début des années 1930. Ses écrits extrêmement critiques de la révolution d’octobre et des dirigeants bolcheviks (réunis dans le recueil Les Pensées intempestives) ne furent pas republiés en Union soviétique.  S’il fut moins mis en avant que ses œuvres plus connues telles que La Mère, véritable canon du réalisme socialiste, Le bourg d’Okourov ne fut pas en revanche désavoué à l’époque soviétique et figure en bonne place dans la plupart des éditions soviétiques de ses œuvres choisies. Le récit était considéré comme une critique des milieux petits-bourgeois et des marchands de province, compatible avec la ligne officielle du régime. 

La superbe couverture que vous avez choisi pour Le bourg d’Okourov est un tableau de Boris Koustodiev – Province 1919 – hasard des recherches ou choix délibéré ?
JBG. Boris Koustodiev que connaissait et appréciait Gorki est l’un des grands peintres de la province et de la bourgeoisie russe. Il semblait naturel de s’orienter vers l’une de ses productions. Par ses couleurs vives et contrastées et sa composition, le tableau Province réalisé en 1919 illustre à merveille le décor et l’ambiance du récit : un bourg coupé en deux par une rivière, les élites passant sur la berge sous l’œil goguenard des plus démunis adossés à la rambarde du pont…  

Propos recueillis par Béatrice Peyrani

[1] Au diable vauvert et Alatyr d’Evgueni Zamiatine, Éditions Verdier (2006) – Lauréat du Prix Russophonie pour la meilleure traduction littéraire du russe vers le français décerné par la Fondation Boris Eltsine ; Le Nègre violet d’Alexandre Vertinski, Louison Éditions (2017) ; Une nuit, un jour, une nuit de Dmitri Danilov, projet Moscou-Paris, Un compartiment pour trois, Salon du Livre (2018) ; Devouchki de Viktor Remizov, Éditions Belfond (2019) ; Leaving Afghanistan de Pavel Lounguine (2019) ; Gorki et ses fils – Correspondances, Éditions des Syrtes (2022) ; Le Bourg d’Okourov de Maxime Gorki, Éditions des Syrtes (202

 Maxime Gorki
Le bourg d’Okourov
Traduit par Jean-Baptiste Godon

Editions Syrtes

Le silence de Jeanne

16061710034998181-1Dans son premier roman « Jeanne», Véronique Timmermans alterne deux histoires étroitement mêlées. Celle de Jeanne bouleversée par son coup de foudre inavouable pour un prêtre et celle de sa fille, Catherine, en quête de vérité. Mais comment réagir face au silence de Jeanne sur son passé? L’auteure soulève la délicate question de la transmission des souvenirs intimes d’une génération à l’autre. Un livre tout en émotion et en profondeur. Interview.

Damier : L’écriture de ce premier roman marque-t-elle un tournant dans votre vie? 

Véronique Timmermans: Oui, certainement. En apparence, ma vie est presque inchangée, je partage mon temps entre travail salarié, écriture, famille, amis et loisirs, comme tout le monde. Je commence seulement maintenant, quelques mois après la parution de «Jeanne», à pouvoir mettre des mots sur ce qui a changé: au plus profond de moi, la joie intense d’avoir accompli un de mes rêves, celui d’être lue, peut-être le rêve qui compte le plus; la prise de conscience combien l’écriture est une part fondamentale de moi, combien l’écriture m’aide à comprendre le monde qui m’entoure. J’ai l’impression que je suis plus moi qu’avant.

Damier : L’héroïne  « Jeanne » est-elle née de votre imaginaire?

Véronique Timmermans: Oui et non. Ma mère s’appelait Jeanne. Elle est décédée il y a quatre ans, subitement, dix-sept ans après mon père, également mort subitement. Je n’ai jamais bien connu la jeunesse de mes parents, mais on m’avait raconté quelques éléments de leur rencontre, et la mort de ma mère m’a mise en face du fait qu’il n’y avait plus personne pour me parler de qui était mes parents, et surtout ce qu’ils avaient vécu jeunes. De plus, mes parents étaient belges, flamands plus précisément, et j’ai grandi dans le sud de la France. A mes yeux, ils étaient exotiques. Avec «Jeanne» j’ai voulu partir de quelques éléments biographiques et recréer la jeunesse et la vie d’un homme et une femme qui auraient pu être mes parents, en tissant intimement biographie et imaginaire.

Damier : Quel événement vous a inspiré l’amour interdit entre un prêtre et une jeune fille?

Véronique Timmermans: C’est un fait peu connu, mais la Belgique a vécu, dans les années 50-60, une grande vague de défections de prêtres. Peut-être en a-t-il été de même dans d’autres pays Européens, je ne le sais pas.  J’ai rencontré un témoin de ces défections, qui est d’ailleurs toujours prêtre: le tragique qu’ont vécu ces hommes est indicible. Dans la Belgique catholique et stricte de l’époque, remettre en question sa vocation était impensable, un tabou. Mon propre père m’a appris, assez tardivement, qu’il avait été prêtre et avait choisi de quitter la prêtrise par amour, et j’ai voulu mieux comprendre en l’écrivant comment on peut vivre un amour impossible. Un autre aspect m’a aussi beaucoup intéressé, c’est la place d’un amour impossible qui devient secret de famille: quel adulte devient-on quand on hérite inconsciemment d’un tel secret. Je n’ai pas fini d’explorer cette question!

Damier : La relation mère-fille décrite dans le roman montre à quel point les mœurs ont évolué d’une génération à l’autre. Est-ce le reflet de votre propre expérience?

Véronique Timmermans: Oui, les mœurs évoluent, et depuis la nuit des temps chaque génération vieillissante s’émeut et pousse des hauts-cris face aux mœurs des jeunes. Pour ma part, ma mère était très indépendante et peu conventionnelle, elle poursuivait ses passions et intérêts, choisissait ses amis, et refusait de faire ce qui ne lui convenait pas. En cela elle était plutôt un modèle. Dans la relation mère-fille de «Jeanne» l’irritation de la fille vis-à-vis de sa mère est omniprésente. Cette irritation est née pour une bonne part des différences générationnelles que l’on sait. J’ai trouvé intéressant d’explorer comment cette irritation pouvait murir, devenir autre chose, au contact avec sa propre vie, un amour naissant par exemple. La relation mère-fille est en constant déplacement.

Damier : Pourquoi avoir choisi la ville de Gand, avez-vous des attaches en Belgique?

Véronique Timmermans: Ma mère a grandi et vécu à Gand, et j’aime beaucoup cette ville, à la fois majestueuse, familière et étrangère. J’y ai fait il y a deux ou trois ans un court séjour pour mieux m’en imprégner, et j’ai la chance d’avoir eu pour guides des amis assez âgés pour pouvoir décrire le Gand de l’après-guerre, ses multiples couvents, façade, marchés. Beaucoup des places de la ville ont le nom d’un marché: « marché aux poissons », « marché aux fleurs », »marché aux grains » etc. Le nom des vieilles rues et place en dit long sur la vie marchande, artistique et religieuse des siècles passés. Les boulangeries, aussi, sont extraordinairement inspirantes. Observant le visage et les manières des passants dans les rues de Gand, je me suis dit: je viens d’ici.

Damier : La fin de l’histoire qui laisse entendre que l’on se retrouve dans l’au-delà est particulièrement émouvante, est-ce une certitude pour vous?

Véronique Timmermans: Est-ce possible d’avoir une telle certitude? Je ne sais pas. Mais je crois que certaines personnes se retrouvent, oui. Certains liens ne périssent pas. Et j’aimerais beaucoup, au moment de ma mort, avoir l’espérance de retrouver les êtres aimés, disparus ou pas, et aussi transmettre cette espérance à ceux qui me perdent.

Jeanne, de Véronique Timmermans  – Editeur : Plaisir de Lire

Portrait

Photo VT_2016Née en Suisse d’un père philosophe et une mère artiste, Véronique Timmermans a grandi dans le cadre somptueux de la Provence. Bien qu’attirée par les Lettres, elle opta pour des études de sciences, qui l’amenèrent à un premier travail à Paris, dans une entreprise pharmaceutique, puis à San Francisco, au cœur de la Silicon Valley technologique. Revenue en Europe après plus de huit ans en Amérique, elle vit depuis en Suisse, avec son mari et leurs enfants. Outre l’appel de l’écriture, qu’elle s’est enfin permis d’écouter, elle travaille aussi dans les technologies médicales.

 Entretien réalisé par Ann Bandle